发生·发声 ——2016年中央美术学院毕业季
2016年08月08日 13:08:26       来源:艺术国际

  摘要:继2015年首届中央美术学院毕业季亮相后,中央美院毕业季已然成为了美术界、美术教育领域关注的重大活动。在经过第一届毕业季的积累和酝酿后,2016年中央美术学院毕业季将研究生毕业展纳入整体活动,以更丰富、更具整体性的面貌向公众呈现中央美院的教学成果。中央美术学院副院长苏新平老师,借毕业季之际,与《当代 美术家》讨论当下美术学院共同面对的问题与挑战。

  《当代美术家》(以下简称“当”):感谢苏老师接受我们的采访,请您简单介绍一下中央美院毕业季的情况。

  苏新平(以下简称“苏”):以前中央美院的毕业展,在一个半月的时间内,由各个院系分别在不同的时间段举办,一共开展六次。每个系的展览从布展到撤展,最多也就5天,对外展出也就3天左右。我在学校十多年的时间里,都没有完整的看过一届毕业展期间的所有展览,因为没有这么多时间,也经常会忘掉。学校其他的老师和同学,很难完整的了解各个院系的教学情况,社会也很难了解和认识学校的教学情况。所以去年央美提出了毕业季的概念,把各个院系毕业期间的活动整合到一起,所有的学生在同一个时间展览,大概持续一个半月。其实全世界都有毕业季这样一个概念,中央美院从学校自身的角度提出和开展毕业季的活动,我们的毕业季其实就是资源整合。资源整合的概念也是教学部分的另一个改革项目,就是把不同院系最后的一项教学活动整合起来,它不仅仅是毕业展,还有相关的教学活动、评估,或者是教学检查,还有一些学术讲座等等其他的活动。各个院系和学院的活动都可以集中在这个时间段,形成了非常丰富多彩,又有特点的不同形式的活动。

  我们对于毕业展或毕业季的传统观念,就是仪式感比较强,但这样花费也较高。去年我们设立了主会场,围绕主会场在周边不同的地方分别举办展览。但是各个院系一些有特点的活动,就被取消或者边缘化了一些。因为我们去年是首次筹办毕业季,经验还没有这么多。今年吸取了经验,分了三个时段:第一个时段,毕业季的启动从研究生毕业展开始,第二个时段是本科生的毕业展,最后是毕业典礼,这样毕业季的线索就比较清晰了,想了解和全面认识中央美院,来美院看两次展就可以了。今年毕业季就体现了特别大的优势,学校内部的交流变通多了,方便多了,同时学生、老师、各个单位可以全面了解学院各个学科的教学情况,促进了交流。因为看到了不同的东西,学生之间,师生之间,以及老师之间,学科和院系之间的交流开展起来就非常直接而且容易深入,大家有话题可聊了,在毕业季的期间持续的交流。这是对于学院内部的意义。

  今天的大学是一个开放的格局,它有义务接受社会的监督和检查,现在社会各个领域来看展览和参与活动的人非常多,这样无意中可以听取很多社会上相关人士的意见或者建议,他们对学校的教学、学生的学习提出建议,给学生提供了很多的机会,也给社会的不同领域提供机会。社会直接发表意见,监督学校的教学,形成了双赢。

  当:您曾说过大学工作的核心,是“进口”、教学和“出口”。“进口”就是招生,去年中央美院招生的改革成为了大家讨论的热点。“出口”就是毕业季,在这方面也做出了重大的改变。“进口”和“出 口”这两方面都做出了很大的变动,那么教学方面有没有比较大的变革 或者新的方向?

  苏:中央美院针对过去已经浮现出的问题,正在实施几项改革措施,一共有三个大的方向:第一是招生,主要针对考试,这方面我们做得比较彻底,而且不断地在摸索、调整,目的就是破解应试考试存在的问题;第二是教学方面,教学的改革是全方位的,中央美院是一座历 史悠久的老学校,长期的发展形成了一些优势的东西,也积累了很多问题,我们主要针对问题来展开教学的改革。在教学这个领域,我们的资源浪费非常大,比如说请专家,不同的系科在请,而请的都是相同的专家,类似的专家。更严重的是教学物质资源的重复和浪费。比如说我们设备的购买,一台修复设备几百万,不同的院系分别购置,但问题是有些院系花大价钱购买的设备,搁置在那连包装箱都没有开。其实不只是中央美院,这种现象在中国非常普遍,所以我们下决心改变这个现状。

  针对目前的现状,我们的措施就是资源整合。所谓资源整合就是把现有的设备集中到一个空间里,大家共同享用,不光是设备,还包括技师、配套资金,这样就避免了前期和后期的浪费,而且能有效的利用有限的资源。

  比如3D打印机,我们的院系,甚至工作室都购买了,全院大概有三十多台,事实上集中起来有一两台就足够用了。三十多台打印机还要有相应的维护人员,维修和更新的费用也很庞大。其实类似的现象太多,资源一旦分到院系,大家都归为己有,条块分割得非常厉害,各说各话,各做各的事情,本来公共资源可以共享、共有的,结果各个院系都形成独立王国了。现在就是要破解这个问题。

  从去年开始,我们把教学资源集中到新建的教学资源中心,进行集中管理、指导。 这是全方位的,但做起来比较难。物质的规划和整合都比较容易,主要是人的思维、惯性改变起来非常难。一涉及到各个部门的利益,或者是个人的利益,他就会有抵触,所以我们也不着急,慢慢来。包括课程和人才资源的整合等等,都逐步由学校来整体统筹。这是在教学领域,我们从去年开始尝试的变革。

  当:其实资源的浪费,不仅仅是中央美院存在的问题,甚至全社会都有这个问题。如果能将这些资源整合起来,可以做更多的事情。这一变革如果成功的话,对其他院校也将起到一个很好的示范作用。

  苏:做更好的事情,往“高精尖”上做。我们总是把“高精尖”挂在口头上,做起来其实就是现实当中的很具体的东西。不同的部门都在复制同样的东西,人员臃肿,造成浪费,整合以后我们可以买全世界最好的、一流的设备,请一流的专家,大家共享,促进交流。中央美院要不就不做,要不就针对全社会凸显的问题,敢迈出这一步,为大家做示范,敢为天下先。

  当:每年美术学院的毕业作品中经常会出现一些意象、形象,比如说,用琥珀的手法来封印自己儿时的记忆,或者用火车的形象隐喻人生旅途,都市山水等等。这些意象在毕业作品中重复出现,难免让人怀疑青年艺术家们是否有偷懒的嫌疑。您对此怎么看?

  苏:这不是一个学校的问题,其实是全社会的问题。不光是大学,其实全中国艺术界都有这个问题。中国改革开放以来,这30年主要是学习和模仿阶段,艺术领域也是如此,无论是社会上的艺术家,还是学校的学生,都摆脱不了这个怪圈。当然今天因为经济的发展,我们的艺术更强了。变强后,我们必然要思考它的创造性,或者说原创性。这就是在学习和模仿的过程当中,随着国家艺术水平的提高,必然会产生的另一个意识:创造性在哪?原创性在哪?这是全社会都在思考的问题。社会上成功的艺术家都摆脱不了这个问题,何况学生呢。学生其实在学习期间,首先吸收的是曾经的经验和精华的知识,所谓的创造、创作,更多的将在思辨性的课程当中带给学生。至于学生是不是有创造的能力,或者原创的可能性,这不 能要求他们。我们不能拔苗助长,过早的要求他们。连很多成熟的艺术家都做不到这一点,何况他们呢。

  当:所以您对这些现象的态度很包容。

  苏:很包容,也没什么可指责的。那些老师都做不到,反而让学生做到,这可能吗?经常看到学生模仿老师的、名家的作品,我最开始很反感。后来一想,艺术家自身都没有独创性,没有独立的人格体现,更何况独立的艺术语言呢。我们思想观念的形成,需要一个时间段。现在社会的大环境、文化界有这样的大趋势,我们的教学也在这其中。当然我们的理想和希望是人人都有独创精神,有独创的东西出现,但事实上这不太可能。我们中国的现代艺术、当代艺术也是在模仿的过程中逐渐发展起来的,今天也摆脱不了这个影子。我们的成名艺术家,一不小心就会从西方的某个角度、某一个人、或者某一个领域发现相似点。这从艺术家的角度来讲都是不应该的。

  当:您对于学生作品,尤其是毕业作品,模仿和抄袭的概念是怎么界定的呢?

  苏:抄袭,就是把别人的东西直接拿到自己的画面中,我对这是坚决反对的。如果和现实有某种嫁接的模仿,这是可以的。中央美院绝对不允许抄袭,处罚很严厉。现在网络也很发达,作品的图片一上网,大家都在监督它有没有抄袭的迹象。社会对大学的监督弥补了大学体制内一些照顾不到的地方。社会有这个责任监督大学的教学,学校也有义务对全社会开放。

  当:您对于美术学院的风格趋同问题怎么看?在美术学院风格趋同的大背景下,您认为中央美院的学统特色是什么?

  苏:我觉得这是现阶段的中国美术教育很正常的现象。一方面现在讯息便捷,大家可以同时得到同一种理念,同一种方法。另一方面,我们的美术教育内核都是相似的,写实的传统、中国画的传统,这是造成趋同的最重要的两点。要想改变这种状态,关键在于老师,因为老师们也是在这个教育体制下成长起来的,他们的教育直接体现了我们早期的基本观念。中央美院一直以来,因为知识技能方面的教学、教育很深厚、扎实,所以在实践、创作的时候,具有其他院校无法比拟的功力,在写实、技法方面确实很强。另外在知识技能的完整性、深厚性上,我们的教学相对来说要严谨得多。中央美院做当代艺术、实验艺术,就更加有思辨性,也更有对社会复杂性、深厚性的感受和认识。另外一点,我们身处首都这个大都市,它是国际交往非常活跃的一个地域,这是其他院校无法比拟的。我们可以请很多国际大师直接和学生面对面的交流。信息可以从网上获得,但面对面的交流能给学生带来更多观念上的碰撞。

  当:您曾经提到过评价作品的三个标准——“难度”、“完整性”和“独特 性”,您对这三个标准如何解读?根据这个标准您认为中央美院本届有哪些优秀的毕业作品?

  苏:“难度”并不只是投入的时间,还有表现的难度,材料使用的难度,更重要的是思辨的难度。“完整性”更多指的是感觉上的完整,可能一根线条,凝聚了艺术家很多的心力、脑力,和他的智慧在里面。画面上的一个点,可能就是恰到好处,就是合适,就是合理。我认为这是艺术作品更该具有的“完整性”,当然这个难度要大得多,艺术家的天赋、能力都包含在其中了。最后一点是“独特性”,这个要求就太高了。不光是艺术语言的独特性,更重要是观念的独特性,独特的角度,感悟,都在其中。观念和艺术语言上的独创,这都是艺术史高度的要求了。我们作为艺术家,对自己始终要有这样的高标准、高要求,一生为此努力,都不一定能达到。如果用这个标准来评价学生作品的话,未免太苛刻了,他们毕竟还处在成长期,但他们应该对自己有这样的要求。但学生中有一些很聪慧,在某一个方面会做得非常好,就因为某一点的闪光,我愿意给他们一个奖,给予他们鼓励。

  当:看来您对学生的态度是教育者很包容的态度,更愿意发现他们身上哪怕微小的闪光点,将其发掘、扩大,希望他们能有更好的发展。

  苏:一般的老师照本宣科,强加给学生,居高临下。每一个学生都有他们自己的特点,性格上的不同,独特的、闪光点的一面,在日常的教学当中会有意无意地释放出来。好的老师能及时发现这些闪光点,与学生一同追寻。成果一定是非常独特的。一般的学生也只是掌握了基本的艺术规律,如果掌握得好,也是很出色的,我们培养的学生大多有知识,有技能,懂得基本的艺术规律。将来有一天也许他会突然醒悟,就会成为了不起的人。



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