解读社会结构深层心理隐喻,“社会力形式”刘水洋作品展在宋庄当代艺术文献馆开幕
2018年07月16日 13:07:09       来源:艺术国际

  开幕式现场

  2018年7月14日,宋庄当代艺术文献馆推出艺术家刘水洋大型个展“社会力形式——刘水洋作品展”,展览开幕式于当天下午四点举行。本次展览由宋庄当代艺术文献馆主办,由宋庄当代艺术文献馆执行馆长、批评家吴鸿策划。

艺术家刘水洋

  展览展出艺术家刘水洋物质媒介相异的作品三十余件,其中部分装置作品体量庞大,分布于文献馆二、三层展厅;此外,展览还对艺术家的经历和早期作品进行了梳理和文献展出,以期完整的呈现艺术家创作思路的演变过程。本次展览旨在通过发掘这些作品的内在联系,将艺术家对生活和社会的感悟与思考传达于众。

 批评家王端廷开幕式发言

批评家高岭开幕发言

 解放军出版社编审、中国美协策划委员会副主任许向群开幕发言

 宋庄当代艺术文献馆执行馆长、展览策展人吴鸿开幕式发言

  艺术家刘水洋1974年出生于山东省,2001年毕业于清华大学美术学院,现居住、创作于北京。作为刘水洋的第一次大型个展,本次展览主题为“社会力形式”。刘水洋在作品的形式结构问题的处理过程中,引出了“社会力”的核心问题,事实上今天我们所面临的社会特征,是集合了国家意志、权力关系、资本、个人意志以及集体无意识等各种社会力之间相互作用的结果,刘水洋的作品着眼于从空间、结构,以及材料的社会性属性转换等角度分析和思考,敏锐地感受并把握到了我们今天所面临的时代性特征和困境,他的作品从多个方面阐述了社会力于形式的重要作用。

 二层展览空间

三层展览空间

  展览中呈现的以骨骼为原型的一系列作品,是艺术家利用骨骼在人类文明传统中代表文明禁忌的隐喻,将内骨骼外化为具有特殊意义内涵的力学形式结构,把隐性的社会矛盾、群体心理压力和个体心理应力强化出来,而外化的骨骼结构本身也很好的阐释了社会力对形式的重要作用。

刘水洋的作品还试图通过对材料的社会学属性转换和对特定自然应力作用下物体所呈现的特征进行社会化转换,最终形成的荒诞、魔幻和超现实感,折射出背后更为复杂的社会性隐喻关系。个体在面对社会力压力之下的应力反应,在他的作品中也有体现,如作品《自塑像》等,体现了在特定的社会力场域中一种普遍的集体无意识式的内在社会情绪。

  展览中呈现的《教具》系列作品为一个较为独立完整的系列作品,刘水洋利用在艺术教育中被经典化的石膏教具进行再创作,通过“模糊经典性”的方式引发了对“经典”的再思考,这是这系列作品的“观念阐释”;但当这系列作品作为独立元素进入到本次展览中时,在展览的整体语境中,《教具》系列从它经典性的丧失转换为一个个失去自我表达和个性特征的社会符号,成为了另一种更为普遍意义下的社会群体的象征。

研讨会现场

  展览开幕当天,刘水洋作品展研讨会在宋庄当代艺术文献馆三层召开,与会嘉宾有:高岭、杭春晓、胡介报、祁志龙、盛葳 、唐尧、王端廷、吴鸿、许向群、伊万。

  本次展览将持续至2018年8月14日。

  *以下将本次展览研讨会嘉宾发言摘录于此供读者享阅读。

  王端廷,中国艺术研究院研究员,博士生导师

  刘水洋的艺术创作有深厚的人文内涵,他的作品呈现了对生命和当代社会的宏观思考,整个展览显示了他从学院教育到当代艺术的观念性转换。其中重要的节点是他在纽约为期三个月的驻留,虽然驻留时间很短,却是其艺术发展历程中突变性的转折;这使他的艺术创作从传统学院教育转向观念主义,在其后的观念主义创作中,又呈现出观念艺术的转向,例如《教具》系列作品采用了标准的观念主义策略——挪用、再造,将古典雕塑重新再包裹后对既定图像的转换呈现出新的样式,突破了在色彩和平面性上的转换,尤其在雕塑的三维空间内使得观念艺术具有了表现性,同时使得表现性艺术具有观念性。他以骨骼形式创作的作品,则显示了艺术家对生命、死亡等课题的深刻关切已超越了个体和民族。在工艺美院的教育背景也使得他不同于其他观念艺术家,他不是只出具想法、观念再由其他人完成,所有展出的作品都是艺术家亲手制作完成。

  高岭,天津美术学院艺术与人文学院硕士生导师、四川美术学院美术学系硕士生导师

  德国古典主义美学家温克尔曼曾用“高贵的单纯,静穆的伟大”来评价造型艺术美的最高境界。造型艺术需要在空间里的静止状态中预示运动的可能,展厅二层空间的廊柱式经典雕像作品,看似像用比较硬的纸包裹的古典雕塑,实则反映了对源自古典雕塑范本的不可企及的高度,在此艺术家给观者提供新的思考方向,面对艺术题材的经典样式如何重新回到原点做好最基本的手头工作。到今天现代主义已将形式和内容彻底分离,刘水洋的作品把当代艺术的文化批判回归到对古典样式重新的审视,把传统和当下人的思考巧妙融合。装置作品《意境》以汽车焚毁后车体部件残存的融化废料在光影投射下呈现的工业风景传递出有形与无形,虚与实,工业森林和二手自然的诗意美学关系,既是现实层面的批判更是建构性的调试和平衡。展厅一侧与《意境》遥相呼应的《生日蛋糕》,在媒材上由螺纹钢筋样式蜡烛构成,蜡烛本身是静态的固体,但随外部条件的变化可以随时变成液体和气体。纵观刘水洋的创作,他不是用分离的外在观察和创作角度,而是以社会自然风景和工业文明的内在参与者、观察者的视角深层次的发现社会、自然负面之上的艺术美学栖居的思考。

  许向群,解放军出版社编审、中国美协策划委员会副主任

  前段时间在微信中看到张晓刚回忆1995年拜访西班牙艺术家塔皮埃斯的文章,其中写到塔皮埃斯对当时刚起步的中国青年艺术家的忠告:“作为艺术家最重要的是如何从个人角度去参与当代艺术”,我个人觉得中国当代艺术界有成就的艺术家大多是抱着这个态度并在这条道路上前行的。刘水洋这次展览涵盖雕塑、影像、装置、行为、多媒体等媒介,他是以个人的角度去把握世界文化和中国传统文化对自身的影响和启发,努力在当代史中去寻求确立自己艺术创作的价值。通过这次展览可以感受作者作品中呈现出的思考高度、人性的生命和文化的广度。其一,是艺术家独特而开阔的观察视野,刘水洋的作品具有敏锐的社会穿透力和睿智的现实批判性,他是雕塑专业出身有扎实学院基础,但其作品与传统雕塑又有很大不同,他从关注材料的材质发展到对材料意义的发掘运用,以及形式观念及艺术意义价值的探求,材料已经变成最为直接的表现思想和观念的媒介。在他的作品中材料已经具有了全新而独立的价值,比如他对骨骼的运用,对大多数人来说骨头象征绝望、死亡,对皑皑白骨人们总是怀有深深的恐惧,这种材料在刘水洋的作品中赤裸的呈现,让观者在视觉上产生上不适或者不快乐,引发心灵的触动也折射了当下物质社会的某些本质现象。再比如他对现成品的改造,不断改造材料的物理属性,给材料注入了文化性和社会性,例如《美杜莎》这件作品,通过对建筑废料的不经意改造有了全新的转换和诠释,这种有趣的、荒诞的甚至是毁坏的视觉感觉背后反映了社会领域内人们的某些困顿。其二,是不拘一格的诠释方式显示了令人难忘的语言力度和视觉张力。水洋的作品赋予材料大量的涵义,通过材料传达个体的所思所想并深化为对人性的分析、思索,这种转换给平庸的东西以价值,给日常的现实以意义。比如《救赎》等作品用巨大的体量所产生的视觉冲击力把个体深层的忌讳直接抛给观众,而《梯子》、《骨》等作品用充满痛感和坦露伤害的这种方式直接的把社会的丑陋和人性之恶像鲁迅所言将人性的价值毁灭给人看,是非常深刻的。此外,他的作品在视觉上非常新颖奇特,根据表达的主旨精心挑选的材料具有很强的感染力,其中包罗了社会的现象、心灵的压力、文化符号的沉淀和隐喻。比如《教具》系列借用视觉的模糊性通过包裹和精心的仿制导致其固有意义和审美标准的模糊,用机智严肃的方式给教具赋予新的意义和价值。这种巧妙的转换和新奇的效果使得他的作品在学术性和通俗性上达到了较好的平衡,作品的象征、寓意、隐喻等手法运用的机智但不晦涩,既有与主题十分吻合的多层解读的深刻性,又有大众非常容易介入的兴趣。

  唐尧,中国雕塑学会副秘书长、《中国雕塑》执行主编

  本次展览在陈设布置上以时间为链条,呈现出艺术家创作语言完整发展的过程,首先是最早的具象人体,然后第二链条,表现在毕业创作时在形的语言上开始脱离非常具象的人体构造,第三个链条就是用包裹的手法对经典雕塑的转换。用纸的包裹的转换在雕塑界类似的否定性的倾向已不算新鲜,水洋的语言是把它空壳化,古典雕塑本身具有非常坚实的体量,呈现出崇高、伟大、静默等古典的审美特质。水洋将它空壳化实际上是他在写实道路上一个否定性的转向。这个链条上最后一件作品是一个手托着一个小的墓碑名为《救赎》的作品,此时他在向更加精神化的一种诉求前进,创作手段采取的是在尺寸上的放大。第二个阶段则进入材料语言的转换,尤其是以汽车燃烧残骸创作的《意境》,转化为像荒漠上肆意生长的仙人掌生长的形态。这之后的两个转换,一是将钢筋这种坚硬冷漠的建筑材料转换为带有精神性的可以燃烧的蜡烛;另外一个是用硅胶翻制的带有伸展的钢筋的水泥墩形成一个间歇抖动的真实的水泥块,这是水洋在社会学关注上非常具有现实意义的作品。而《骨环》这件作品则超越了具体的现实或者民族等一些问题,创造了一个形而上的哲学意味。脊椎作为生物承重最大的部位,它是生命从软体向高级物种进化的一个标志性符号,但是这样一种生命进化的符号用一种单纯重复的方式排列成一个极简封闭的非常规整的圆环,而衍生出生死轮回等形而上的哲学思辨的意味。

  杭春晓,中国艺术研究院研究员,博士生导师

  当下很多东西被技术化之后我们触碰现实的能力在被一种很技术化的所谓的方法论所遮蔽,当代艺术在今天还能做些什么?我们在展厅看到的《美杜莎》它好像一个废弃物是一个坚硬的东西,美杜莎一词的原境语义是一个寓意,艺术家在建筑物残骸内部裸露出的螺纹钢筋上焊接上蛇头,在此这个寓意可以用的更直接更大更强烈。今天的中国包括我们最近讨论的很热的中美贸易战等现实境遇,毫无疑问中国被很多东西所绑架,表面上是被房地产绑架,背后是被各种关于现代性的想象,包括城市建设、我们生活规划的一些列想象所绑架。改革开放后我们觉得应该走到一个由改革所带来的现代生活秩序中,而这个生活秩序恰恰是今天所面临的最大困境,《美杜莎》这个作品反映的就是这种困境,美杜莎的原境语义是看到她面容的人就固化为石头,这个根本寓意放到今天这个展览中恰恰是对中国今天现实最大的一种预言式的表达。《生日蛋糕》这件作品——螺纹钢筋蜡烛,在媒材上钢筋带给人带来坚固的可以支撑的感觉,还有那件由硅胶翻制的间歇抖动的水泥墩,这些作品所反映的我们自认为现代性的坚固实际上都是及其脆弱柔软的。在今天当代艺术已越来越技术化后的我们到底还能不能触碰现实还能不能触碰所谓的真实……

  盛葳,《美术》杂志副主编

  这次展览前与艺术家并不熟悉也没有交流过,看完这个展览的感觉是艺术家的创作是基于对学院艺术的研究亦或是前卫艺术?我注意到这次展览的每个部分区分比较明确,部分作品也呈现出一定的宗教形式感,不知道艺术家是否对宗教或者神话比较感兴趣。位于三层空间的《柏拉图》这件空壳化的头像明显是反对塑形和反偶像的,而《美杜莎》这件作品原初语境是海神波塞冬在雅典娜神庙受惩罚而被石化,它背后的主题是关于欲望的,如果从社会学角度来看这件作品它还具有扩展的空间,据了解这件作品是去年艺术区内被强拆的艺术家工作室废墟上的建筑构件残骸,在此它以自身材料的自然属性而生发出社会学的属性转换。

  伊万(建筑师),西班牙建筑设计师、艺术家、好友

  作为此次研讨会唯一的外籍人士我希望能带来一些不同的视角看这个展览,我和刘水洋是经由我的妻子结识,我们之间的交流主要是靠她翻译,但我认为现代艺术本身就是一种语言的交流方式,如果这个作品本身的力度很强,不用翻译也可以读出来。水洋的作品用了很多西方的典故,我很惊讶中国艺术家会了解这么多西方的寓言、典故,比如像古典的雕塑、宗教还有刚才各位批评家讨论的美杜莎。《美杜莎》这件作品在这个展览中是非常有力量的,因为我本身就是一名建筑师,《美杜莎》正是对中国当今的建筑行业现状的反映。我曾经给刘水洋写过一篇文章,我用 “结痂”的概念解释他的作品,之所以用这个概念,结痂和伤疤的不同是它是在愈合,结痂的内里是治愈的过程,结痂的另一个讽刺性就是它把原来的伤痛覆盖了,这反映在刘水洋的作品上既是个体的也可能是整个社会的,他用新的技术再生古典艺术,虽然在外面有一层硬硬的壳包裹,“结痂”的里面确是愈合,体现了整个社会的治愈过程。

  社会力形式:刘水洋作品展

  出品人:胡介报

  策展人:吴鸿

  策展助理:李晓婷、肖锋、申振夏、马建、姜鑫、杨青、刘继敏

  视觉设计:胡峪玮

  展览主办:宋庄当代艺术文献馆

  展览日期:2018年7月14日-2018年8月14日

  展出空间:宋庄当代艺术文献馆二、三层展厅



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